Le design japonais présenté pour la première fois à travers le prisme des couleurs traditionnelles.

Les couleurs traditionnelles sont utilisées au Japon depuis le VIIe siècle, initialement pour indiquer le rang et la hiérarchie sociale. Au fil du temps, leur signification s'est élargie. Cet ouvrage présente de manière simple et accessible 200 couleurs (iro en japonais) illustrées par un ou plusieurs objets allant des kimonos du XVIe siècle aux chaises contemporaines en passant par de simples ustensiles de cuisine et des céramiques. Il permet ainsi de découvrir le design japonais de manière approfondie. Écrit par Rossella Menegazzo, co-autrice de l'ouvrage devenu une référence Wa : L'essence du design japonais, cet élégant livre à la reliure japonaise s'adresse à tous les amateurs de design et du Japon.

Rossella Menegazzo est maîtresse de conférences en histoire de l'art de l'Asie orientale à l'université de Milan et titulaire d'un doctorat d'études orientales de l'université Ca' Foscari de Venise. Elle est l'autrice de nombreux textes sur la photographie japonaise, le graphisme et l'art traditionnel ukiyo-e, et commissaire de plusieurs expositions. Elle contribue régulièrement à des journaux italiens avec des articles sur la culture et l'art japonais. En 2017, elle a été décorée par le ministre japonais des Affaires étrangères.
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Le design contemporain, quel intérêt? Le design contemporain, c'est quoi? Retenir quelques dates repères Ils l'ont fait pour la première fois Connaître les mots clés. Comment approcher le design contemporain? Renouer les fils avec le passé. Changer sa façon de voir...

Le style Japandi est la nouvelle tendance déco en vogue.

Né de l'alliance entre le minimalisme fonctionnel caractéristique du design scandinave et l'élégance épurée de l'artisanat traditionnel japonais, il mêle harmonieusement l'atmosphère hygge des pays nordiques et le wabi-sabi, un concept issu du bouddhisme zen qui prône une sobriété paisible et nous invite à admirer la beauté cachée dans les légères imperfections de la nature.

Découvrez dans cet ouvrage les principes fondamentaux du Japandi et des objets iconiques. De nombreuses interviews avec des designers et un chapitre pratique pour décorer toutes les pièces de la maison dans l'esprit Japandi en font également un livre de référence pour tous les amateurs de déco !

Ce catalogue retrace l'aventure de la modernité en France, dans les années 1920-1930, à travers la révolution de l'intérieur domestique.

Le minimalisme japonais est devenu une force émergente du design et l'essence de l'esthétique Wabi Sabi, un style qui se cache derrière la nouvelle tendance des « Raw Interiors », le coeur de la décoration traditionnelle japonaise, une beauté simple qui peut résister au temps.
Les designers ont transformé le style traditionnel Wabi Sabi pour créer un style de décoration moderne basé sur le concept d'intérieur brut, des espaces avec les éléments essentiels qui deviennent le style le plus en vogue du moment.
Plus qu'une philosophie, le wabi-sabi est un état d'esprit qui nous invite à nous contenter de peu, à apprécier les imperfections, à faire honneur à l'artisanat et aux savoir-faire ancestraux, Tout droit venu du Japon, le wabi-sabi est un mode de vie qui célèbre l'art de la perfection imparfaite. Entre simplicité, convivialité et spontanéité, il nous encourage à chercher la beauté dans l'inattendu. Etymologiquement parlant, il est né de l'association deux mots japonais : wabi qui signifie simplicité, humilité et vie en harmonie avec la nature et sabi, une référence au passage du temps, à la fugacité, la beauté et l'authenticité de l'âge.
Facilement assimilé, à tort, à l'esthétique du délabré, du brouillon ou du bâclé, le wabi-sabi est bien plus que cela. Il célèbre la beauté au naturel. La perfection n'est pas de ce monde et l'attachement aux objets, au matériel, vain. Ainsi pourrait-on résumer le style wabi-sabi, dérivé du bouddhisme zen. Ce concept est basé sur l'authenticité et la patine du temps d'une part, et la simplicité et le minimalisme, voire le vide, d'autre part. Avec le wabi-sabi, on se contente de peu, on épure son intérieur pour revenir à l'essentiel avec des objets et du mobilier à la fois utiles et pratiques.
Le livre présente une trentaine de projets internationaux, allant de maisons et appartements à des espaces commerciaux, des restaurants et des hôtels, en présentant certains des architectes et des designers d'intérieur les plus influents du monde. Une collection d'intérieurs bruts suivant une approche moderne du style Wabi Sabi. Lire la suite Fermer

Une étude pour réfléchir à des manières de vivre plus durablement - et mieux - en s'inspirant de personnes à la fois ordinaires et uniques.

Depuis les années 1950, IKEA parcourt les intérieurs du monde entier pour en savoir plus sur la façon dont les gens vivent. S'inspirant de cette approche, Inter IKEA Systems et Phaidon se sont associés pour explorer le plus grand et le plus urgent défi social et environnemental de notre génération : parvenir à un mode de vie durable.
Dans cet ouvrage, Maisie Skidmore et la famille IKEA observent le quotidien de militants, artistes, athlètes, entrepreneurs en visitant des logements, des lieux de travail et des espaces partagés du Mexique à Moscou, de Bali à Beyrouth. Même si nos actions quotidiennes peuvent sembler insignifiantes, l'avenir de notre planète dépend bien d'elles et de chacun de nous.
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Personnalité incontournable et historique dans le design graphique et l'édition, Etienne Robial est au croisement de plusieurs disciplines : artiste, éditeur, enseignant, et designer. L'homme rassemble aujourd'hui dans ce livre ses mémoires d'orfèvre du regard, de manipulateur visuel et d'historien des formes. Le concepteur de l'identité visuelle télévisée la plus marquante du XXe siècle (Canal+) soumet à la postérité l'ensemble complet de tous ses travaux, toutes ses recherches personnelles et contributions célèbres ou méconnues à partir des alphabets qu'il a conçu tout au long de sa carrière.
Sur 400 pages abondamment illustrées par des photos et des croquis issues de ses archives personnelles (plus de 2000 documents), Etienne Robial détaille et commente lui-même 50 ans de travail qui appartient maintenant au patrimoine culturel français (Futuropolis, Métal Hurlant, A Suivre, L'Equipe, Les Inrocks, PSG...). La relation clé qu'entretient Etienne Robial avec les alphabets, sa science, son art et son érudition de la lettre et de l'image habitent les pages de ce livre et sont maintenant à partager avec tous les amateurs d'art, de design et d'histoire ; qu'ils soient profanes, étudiants ou professionnels.
Ouvrage-somme de référence sur l'intégralité de l'oeuvre de Etienne Robial, cette monographie désire faire rencontrer au public actuel et futur toute l'oeuvre et la chaleur d'un créateur français hors du commun. Préfaces de Pierre Lescure et de 26 personnalités du graphisme, de l'édition et de la bande dessinée.
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L'influence et l'imitation du vivant par le design, depuis la modernité, jusqu'à la fusion totale entre l'inerte et le vivant dans la création scientifique et industrielle actuelle, est l'un des fils conducteurs des recherches du service en charge du design et de la création industrielle au Centre Pompidou. Prenant la suite d'expositions comme «Design et merveilleux» (MAMC Saint-Étienne, 2018, Centre Pompidou-Shanghai, 2020) et la «Fabrique du vivant» (Centre Pompidou Paris, 2019), ce troisième volet sera plus historique ; tissant le lien du biomorphisme du design moderniste au biomimétisme d'aujourd'hui, voire à la biofabrication et à la recréation du vivant par le design numérique. L'exposition et la catalogue qui en sera le refet permettront également de montrer de nouvelles acquisitions de grands designers (fonds Serge Mouille, Branzi, Lovegrove, Hansmeyer), et de travailler conjointement avec des entreprises innovantes dans le secteur du design, de manière à prêter attention au monde industriel, lui aussi fragilisé par la crise sanitaire mondiale Lire la suite Fermer

« Assis sur une couleur qu'on aime, on est plus à l'aise. » Verner Panton.

La couleur joue un rôle essentiel dans notre rapport aux objets. Cette anthologie, qui réunit meubles, tissus, luminaires et objets de décoration, illustre à quel point la couleur est devenue la caractéristique majeure d'objets emblématiques des cent dernières années. Grâce à des textes courts, Un siècle de design en couleurs présente un panorama historique précis du rôle de la couleur dans le design et son importance grandissante dans la conception. À travers 250 objets qui fusionnent couleur, forme et culture, cet ouvrage montre comment la couleur occupe une place toujours plus marquée, depuis le Bauhaus jusqu'à aujourd'hui.

Ce livre sobre et élégant fait découvrir au lecteur la beauté, l'essence et l'impact du design japonais à travers 250 objets emblématiques : des pinceaux de calligraphie aux boîtes bento traditionnelles en bois laqué, en passant par les lampes en papier signées Isamu Noguchi et bien d'autres classiques revisités.

Les objets sont classés par matériaux - bois, bambou, laque ; métal ; céramique, verre, pierre ; papier ; fibres et tissus ; nouveaux matériaux - et le livre est introduit par un avant-propos de Kenya Hara.

L'influence du design japonais est omniprésente dans la culture contemporaine mondiale.

L'image romantique de l'artisan seul dans son atelier a laissé la place à celle du créateur au travail dans son laboratoire, une fonderie ou même une usine. L'artisanat a évolué, combinant travail manuel et technologie, offrant ainsi des possibilités quasiment illimitées aux designers de créer des meubles uniques pour les galeries, les expositions et ou des clients sophistiqués. Cette synthèse de l'art, du design et de la technologie a donné naissance à une multitude de pièces de collection très recherchées.

Cet aperçu complet du mobilier contemporain célèbre les réalisations d'une sélection internationale de designers produisant des oeuvres d'expression artistique individuelle que l'on trouve aussi bien dans des musées que chez des particuliers.

Présentant plus de 400 pièces, des tables et des chaises aux finitions impeccables, fabriquées à partir de matériaux naturels, au mobilier expérimental à la frontière entre art et artisanat, cet ouvrage est une première.

Structuré par type d'objets et par créateur, le livre présente également quelques lieux (studios, usines) dans lesquels ces meubles uniques sont fabriqués, ainsi qu'une sélection d'intérieurs majeurs montrant des meubles de collection in situ.

La personnalisation et l'exclusivité dans le design sont de plus en plus prisées dans un monde qui revient aux valeurs de l'artisanat authentique. Ce panorama richement illustré séduira aussi bien les connaisseurs de design que les collectionneurs et toute personne intéressée par la conception de meubles sur mesure.
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Christian Bérard est connu pour avoir révolutionné l'art du décor théâtral dans les années 1930 et 1940 mais il était aussi peintre illustrateur dessinateur de mode et architecte d'intérieur. Il a transposé son univers pictural sur la scène des Ballets russes de Monte-Carlo aussi bien que dans La Belle et la Bête de Jean Cocteau en 1946. Ses dessins publiés en couverture et dans les pages de Vogue et Harper's Bazaar ont su saisir avec une précision sensible le monde de la mode parisienne. À la Libération il a créé le désormais emblématique Théâtre de la mode un panorama de la couture française présenté sur des mannequins de fil de fer dans une installation qui a fait le tour de l'Europe et des États-Unis. Ses aménagements intérieurs les plus prestigieux comme ceux imaginés pour Charles et Marie-Laure de Noailles témoignent d'un rapport unique à l'espace à la fois lieu de création et objet de représentation fantasmé et théâtralisé. Célébré par ses contemporains qui l'avaient affectueusement surnommé Bébé Christian Bérard est pourtant de ces artistes « modernes excentriques » oubliés par les historiens de l'art. Plus de deux cents tableaux dessins photographies correspondances intimes et décors d'intérieur sont ici réunis autour de textes inédits pour le redécouvrir enfin. Lire la suite Fermer

Ces réflexions exprimées sous forme d'un carnet de notes personnelles sont nourries d'anecdotes et d'exemples illustrés. Pour compléter ces thématiques générales, une partie de l'ouvrage se concentre plus précisément sur le design de livres et la conception de couvertures. L'auteur y décrit avec beaucoup de pédagogie et d'humour différentes manières d'aborder ce travail si particulier d'alliance des mots et du dessin.
La question que pose Bunpei Yorifuji pourrait être : qu'est-ce que le design graphique, et comment exercer la profession de graphiste aujourd'hui ? L'auteur propose d'y répondre comme à son habitude, en texte et en image, mêlant dessins pédagogiques et recherche approfondie : un livre à mettre entre les mains de toutes celles et ceux qui cherchent à mieux comprendre le métier de graphiste et d'illustrateur et découvrir toutes les questions transversales qui nourrissent cette pratique au quotidien.
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Une monographie qui retrace les différentes résidences et performances de Frederick Gautier, artiste, designer et céramiste.

Pour les Japonais, le concept de design ne se limite pas aux seuls aspects fonctionnels ou matériels : il plonge ses racines dans des rituels et des pratiques cultures anciennes. Les objets sont le fruit d'une réflexion. La rencontre des traditions artisanales et des innovations technologiques donne naissance à des objets à la fois utiles et d'une beauté intemporelle, qui encouragent à leur tour l'invention de nouvelles formes et de nouvelles matières. Au-delà des grandes icônes du design japonais - la bouteille de sauce soja Kikkoman, le tabouret papillon de Yanagi, le Walkman Sony - les produits et les objets nés au Japon au cours des soixante-dix dernières années ravissent l'oeil et forcent l'admiration. En présentant plus de 80 designers et des centaines d'objets, il restera pour longtemps l'ouvrage le plus complet sur le sujet.
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Un guide incontournable et inédit racontant un siècle de design industriel à travers les modèles déposés de 1 000 objets.

Rassemblant les dessins et modèles déposés de 1 000 objets anonymes ou devenus des icônes du design, indispensables dans nos maisons ou nos bureaux, ce recueil célèbre le génie créatif de designers, d'inventeurs et de rêveurs du monde entier. La diversité des objets est phénoménale :
Des pièces de Philippe Starck, Charles Eames, Isamu Noguchi, Ettore Sottsass, Raymond Loewy et George Nelson partagent ces pages avec des créations du quotidien telles que des distributeurs de ruban adhésif, des ventilateurs ou des bouteilles, afin de proposer aux lecteurs un livre de référence aussi précieux qu'irrésistible à feuilleter.

Le design : une thématique d'actualité, une histoire française à écrire.
À travers des portraits des personnalités qui font émerger es pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d'objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession qui accompagne une société qui voit émerger de nouveaux modes de vie.
Histoire inédite et cruciale pour comprendre les enjeux de l'industrie et du design contemporains, ce livre constitue une pierre angulaire dans la collection des éditions de la Cité du design, indispensable aux futurs designers de demain, aux historiographes des pratiques et modes de vie, mais aussi à chacun qui s'intéresse à l'histoire de nos objets, des grandes marques françaises comme SEB ou Calor. Du Salon des Arts ménagers aux grands théories fonctionnalistes, c'est un corps de métiers qui s'assemble et se module durant ces fastueuses décennies. Lire la suite Fermer

A Designer's Art «P aul Rand is an idealist and a realist, one who uses the language of the poet and the businessman. He thinks in terms of need and function . . . but his fantasy is boundless.» -L. Moholy-Nagy Paul Rand (1914 -96) was incontestably one of the leading graphic designers of the twentieth century. His pioneering work in the field of advertising design and typography exerted a profound influence on the design profession. Applying the lessons of modern art, particularly those of the Bauhaus, to art in the service of business, he almost single-handedly transformed «commercial art» from a practice that catered to the lowest common denominator of taste to one that asserted its place among the fine arts.
Paul Rand: A Designer's Art brings together many of Rand's best essays on design and a wide selection of his brilliant graphic work from the 1930s to the 1980s. This book reprises the essays from his classic 1947 text, Thoughts on Design, most of which were updated by Rand in 1984. It also covers his subsequent work in advertising design, corporate identity, design teaching, and typography- areas in which he created exemplary and inventive work. Among the topics he explores are the role of humor in design, the trademark (the most ubiquitous of Rand's trademarks are those of IBM, ABC, UPS, and Westinghouse), design and the play instinct, the complexity of color, the role of symbols, the art of the package, and the politics of design. Each of the essays is illustrated with examples of Rand's work-posters, book jackets, product advertisements, corporate trademarks, packaging, interiors-as well as the work of artists he admired.
For the design student, teacher, professional designer, and, indeed, for anyone interested in the creative communication of ideas, Paul Rand: A Designer's Art remains both provocative and enlightening.
À travers 27 essais, Paul Rand donne à voir ses méthodes de travail et inspirations sous un angle privilégié. Il y détaille les principes théoriques qu'il s'est attaché à suivre et a tenté d'appliquer tout au long de sa carrière, mais revient également sur son rapport aux clients et sa perception du travail de commande en design graphique.
À la différence d'un grand nombre de monographies, le présent ouvrage interroge la pratique du design sous l'angle de la réflexion, et non uniquement sur le plan visuel.
Il en résulte ainsi un livre qui vise non seulement à être regardé, mais également à être lu. Chacun de ces essais mêle références artistiques et littéraires et témoigne de l'importance de la pluridisciplinarité dans le travail de Paul Rand.
L'ouvrage est l'unique source d'information de cette ampleur sur le travail de Paul Rand à l'heure actuelle en France, ce livre a été conçu par l'auteur comme étant celui à travers lequel il souhaitait synthétiser l'ensemble de sa pratique. Il revient ainsi à la fois sur son travail de design de logos pour des grandes marques, mais décrit également ses projets de design de couvertures de livre ou de magazines pour des structures plus modestes.
Cet inventaire non-exhaustif du travail de Paul Rand se révèle être un véritable outil pour les étudiants, enseignants et professionnels en design graphique soucieux de perfectionner leur pratique et de se questionner sur leur travail. Cet ouvrage s'attache en effet à montrer comment certains principes fondamentaux et intemporels qui encadrent la pratique du design - comme ceux de l'équilibre, l'harmonie des couleurs et la gestion de l'espace - peuvent être détournés pour être perçus sous un angle nouveau.
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À l'été 2013, alors qu'il a un peu de temps à perdre, le designer Anthony Guerrée se découvre proustien. Il imagine alors de dessiner et faire fabriquer des chaises inspirées des personnages d'"À la recherche du temps perdu". Ce livre restitue cette quête à travers un carnet de recherches mais aussi une réflexion profonde sur les liens entre la littérature et le design. Préface de Jérôme Bastianelli, président de la Société des Amis de Marcel Proust. Portraitisation et postace d'Émilie Houssa.

Dans les années 1960, des artistes féministes se sont emparées des travaux d'aiguille et ont utilisé la broderie dans leurs oeuvres. Elles ont ainsi permis à cette technique de ne plus être considérée comme un loisir essentiellement féminin et de quitter le domaine artisanal.
De manière académique ou avec une entière liberté, les brodeurs contemporains rencontrés par Charlotte Vannier se saisissent de toutes sortes de supports (toile de coton, photographies, plastique, aliments, grillages) pour réaliser des oeuvres miniatures ou colossales, monochromes ou bigarrées, graphiques, abstraites ou figuratives, délicates ou brutales.
De fil en aiguille présente le parcours de 82 artistes de toutes générations et de tous continents, leurs influences, les défis techniques auxquels ils se confrontent et le message qu'ils souhaitent transmettre à travers leurs oeuvres.
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Autrice de plus d'une dizaine d'ouvrages, Fanette Mellier explore en tant que designer graphique et depuis une vingtaine d'années les possibilités laissées par l'impression dans le cadre de son travail de graphiste. Chacun de ses ouvrages expérimente de nouvelles techniques (utilisation d'encres blanches ou phosphorécentes, de la surimpression...) et propose une nouvelle manière de concevoir le livre en tant qu'objet. La manipulation des lettres et le dessin de caractères, mais aussi le travail du papier et de la couleur sont ainsi placés au centre de son travail de création. Installée comme graphiste indépendante depuis 2005, Fanette Mellier a également réalisé divers travaux de commande pour des institutions comme Le Museum national d'Histoire naturelle, Le Centre Pompidou, ou le Ministère de la Culture. À travers cet entretien structuré en trois chapitres portant sur son travail de designer typographique, d'autrice, et de designer graphique, Fanette Mellier revient sur son parcours riche et éclectique. Elle y dévoile ses méthodes de travail, ses affiliations artistiques et propose une analyse de sa pratique à mi-chemin entre illustration et graphisme. L'ouvrage sera illustré d'une cinquentaine de photographies en couleur permettant de donner à voir certains exemples représentatifs du travail de Fanette Mellier. La parution de cet ouvrage est concomittante avec l'inauguration de l'exposition monographique qui lui sera consacrée à la Biennale internationale de design graphique de Chaumont et sera visible du 23 mai au 22 septembre 2021.
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Les années 2000 ont été marquées le développement du mouvement maker (résultat de la convergence entre la culture numérique de l'open source et des savoir-faire artisanaux), du do it yourself et de la fabrication numérique à l'échelle individuelle, remettant en cause la frontière entre experts et citoyens ordinaires. En bousculant les codes traditionnels du travail, de la production et de l'esprit d'entreprise, le bourgeonnement de pratiques créatives collectives au sein de communautés d'amateurs (notamment par le biais des FabLabs) a entrainé une métamorphose du capitalisme industriel tel qu'il prévalait jusqu'alors. Les activités de création et de fabrication numérique entendues comme les expressions les plus avancées de nouvelles logiques de production ont engendré des schémas de travail qui ont redessiné peu à peu les contours d'une production revendiquée comme appartenant au courant de l'open design, plus « ouverte », libre ou décentralisée. Plus qu'un état des lieux, l'enquête conduite par Camille Bosqué revient sur des objets ou projets emblématiques du mouvement maker qui ont contribué à renforcer l'importance de l'open design dans le développement de produits concrets, de machines et de systèmes spécifiques au moyen d'informations partagées par tous. Dès lors, ce livre propose d'envisager le design non pas comme une technique ou un métier au service de la rentabilité et de la production de l'industrie classique, mais davantage comme une manière de faire plus exploratoire, qui prend forme dans les marges et se situe historiquement au coeur de multiples contradictions et débats.
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Traduit pour la première fois en français, As Long... est un texte marqueur de la structuration du champ de l'histoire du design écrit par l'historienne du design anglosoxone Penny Sparke. Il est important car il peut être vu comme une forme de territorialisation d'un aspect de l'histoire des femmes. Celles-ci, conditionnées par la construction sociale, font dans l'ouvrage l'expérience du design (espaces et objets) à travers, notamment, leur goût personnel. Penny Sparke qui dirige alors le V&A/RCA History of Design Postgraduate Programme du Royal College of Art de Londres, opère en posant des questions telles que : le goût de la femme est-il vraiment différent de celui de l'homme ? Qui dit que c'est ainsi ? Pourquoi est-ce important ?

Il a régné sur Paris pendant près d'un demi-siècle, des Trente Glorieuses jusqu'au tournant des années 2000.
Né en 1920, Wiatscheslav Vassiliev, dit Slavik, émigré russe, étudie à l'École nationale supérieure des arts décoratifs et à l'IDHEC avant de collaborer comme décorateur avec Cassandre, Jacques Adnet, Serge Lifar.
Remarqué pour ses peintures aux accents surréalistes, il devient décorateur aux Galeries Lafayette à partir de 1943, puis est chargé en 1954 par Marcel Bleustein-Blanchet de l'esthétique industrielle chez Publicis.
Suite aux succès des Drugstores des Champs-Élysées (1958), de Saint-Germain-des-Prés (1965) et du Pub Renault (1963), dont il assure la conception des espaces et la décoration, il prend son indépendance en 1968 pour se consacrer à l'aménagement de restaurants, de bistrots, brasseries, pubs, bars, night-clubs, magasins, boutiques.... Les familles Richard, Bras, Taittinger, Sfez font appel à lui. Designer poético-commercial, il invente plus de 300 décors dans lesquels il mélange avec un éclectisme joyeux, inspiration Art nouveau, esprit slave, influences anglo-saxonnes et modernité. Avec Michel Oliver, il conçoit des chaînes de restauration populaires qui démocratisent la qualité et la beauté. Le Jules Verne de la Tour Eiffel, réalisé en collaboration avec l'architecte Jean-Jacques Loup, le Bistrot de Paris, le pub Winston Churchill, le London Tavern, le Furstenberg, la brasserie et le restaurant du Lutétia, le Dôme, l'Assiette au Boeuf, seront pendant des décennies des repères incontournables de la vie parisienne. Son style a marqué un tournant dans l'univers de la restauration et son influence reste aujourd'hui très visible.
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