Figure majeure de l'Art nouveau et créateur du mouvement de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est aujourd'hui mondialement célèbre pour son tableau Le Baiser. Cette étreinte éternelle, emblématique de son cycle d'or, symbolise une oeuvre puissamment décorative et novatrice.
Au coeur de la Vienne fin de siècle, capitale d'un empire en déclin, Klimt participe du bouillonnement intellectuel, scientifique et culturel de l'époque, porté par une bourgeoisie qui soutient la création picturale et offre un cadre propice à de nouvelles formes d'expression artistique.
Au travers de ses grandes fresques monumentales, telles que les frises Beethoven et Stoclet, ses portraits féminins sensuels et énigmatiques, marqués par les noms d'Emilie Floge et d'Adèle Bloch Bauer, ou encore ses envoûtantes allégories mythologiques, ses jardins luxuriants et ses paysages oniriques, Klimt ambitionne de réaliser une oeuvre d'art total, unissant peinture, architecture et musique. Il opère alors une véritable révolution stylistique autour de ses thèmes de prédilection que sont la beauté féminine, l'érotisme, la vie et la mort, dans un foisonnement de motifs végétaux et animaliers, de spirales et d'arabesques, de textures précieuses souvent rehaussés à la feuille d'or, dans un entrelacs de lignes courbes et ondoyantes.
Dans sa volonté de briser les conventions artistiques de son temps, Klimt, artiste engagé, a ouvert la voie à de nouvelles formes d'expression artistique, et a su défendre sa conception de l'art moderne qui seul peut sauver l'humanité et la conduire à la connaissance du bonheur.

La collection L'Art plus grand
Cette collection propose une découverte des plus grands artistes de l'histoire de l'art, présentée dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures d'un peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés d'une notice détaillée, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale.

Cet ouvrage consacré à Klimt propose les six dépliants suivants :
La frise Beethoven
Adèle Bloch Bauer
Serpent d'eau (I et II)
Le Baiser
Vierges
La frise Stoclet Lire la suite Fermer

« J'ai deux mains merveilleuses, mais gratter les autres là où ça les démange m'est difficile », disait Qi Baishi. Celui qui signait ses peintures sous les noms d'« Ermite de la Pierre-Blanche », « Vieillard Lentille d'eau » ou « Serviteur sans attaches, habitant temporaire des mirages » est le plus grand peintre chinois du vingtième siècle. Son oeuvre est d'une liberté et d'une spontanéité totale, comme s'il avait digéré des millénaires de tradition artistique pour aboutir à cette sûreté de trait qui s'appuie sur le vide pour déployer toute sa force expressive.

Magritte en 400 images propose une sélection d'oeuvres de René Magritte, des plus emblématiques aux moins connues. Ce choix délibéré vise à surprendre le lecteur et à lui faire découvrir d'autres facettes de l'artiste surréaliste belge en dévoilant des gouaches uniques ou de surprenantes bouteilles peintes.
L'ensemble de la création picturale de René Magritte est présenté en sept chapitres, depuis les premiers tableaux abstraits des années vingt jusqu'aux oeuvres surréalistes majeures des années cinquante et soixante en passant par la période Renoir et la période vache.

Qualifié de divin de son vivant, Michel-Ange (1475-1564), génie de la Renaissance italienne, est sans nul doute l'un des artistes les plus complets qui soient : peintre et sculpteur virtuose du marbre, il était aussi architecte, urbaniste, et même poète. Homme de grande culture et doué d'une forte personnalité, proche de plusieurs papes, il fut aussi très pieux, tourmenté jusqu'à l'angoisse.
Passionné d'anatomie et humaniste, cet infatigable travailleur et admirateur de l'Antiquité a donné naissance à quelques-unes des oeuvres les plus célèbres de l'histoire de l'art. En sculpture, sa Pietà de marbre frappe par la beauté de son visage angélique et l'expressivité de ses traits, son immense David offre l'un des plus beaux nus de la Renaissance, une incarnation du courage sous l'apparence d'un jeune berger athlétique. De 1508 à 1512, il se consacre aux fresques du plafond de la chapelle Sixtine, puis, de 1535 à 1541, à celle du Jugement dernier, réalisant une oeuvre colossale et audacieuse, où s'entremêlent des scènes dantesques, des corps sensuels et torturés, sans compter une image du Christ nu au coeur du Vatican.
Souvent complexes dans leurs significations, marquées par la religion comme par la philosophie néoplatonicienne, les oeuvres de Michel-Ange frappent le regard du spectateur par leur puissance comme par leur harmonie et par l'émotion qu'elles dégagent, faisant de lui, sans doute, le premier artiste « moderne ».

La forme originale de ce coffret permet de s'immerger au plus près de l'oeuvre de Michel-Ange, explorant dans le détail la puissance d'expression des sculptures mais aussi des détails foisonnant de la chapelle Sixtine : accompagné d'un livret explicatif comprenant une introduction et des commentaires d'oeuvres, ce livre « en accordéon », tout en images, déploie près d'une soixantaine de tableaux dont les gros plans magnifient l'audace créatrice. Lire la suite Fermer

Créé en 1911, L'Atelier rouge d'Henri Matisse est devenu l'une des oeuvres les plus influentes de l'histoire de l'art moderne. Acquise en 1949 par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, où elle est depuis exposée, cette toile représente l'atelier de l'artiste à Issy-les-Moulineaux, en proche banlieue parisienne. Elle montre un espace rempli de peintures, de meubles et d'objets décoratifs. La décision radicale de Matisse de recouvrir de rouge la majeure partie de la surface du tableau a fasciné des générations de chercheurs et d'artistes, mais il restait encore beaucoup à découvrir sur la genèse et l'histoire de l'oeuvre.

Cet ouvrage abondamment illustré accompagne l'exposition consacrée à L'Atelier rouge qui réunit, pour la première fois depuis qu'ils ont quitté l'atelier de l'artiste, les tableaux, sculptures et objets qui y figurent - qu'il s'agisse des trois peintures aujourd'hui conservées au Danemark dans les collections du SMK - Statens Museum for Kunst, dont Le Luxe (II) (1907-1908), ou de pièces moins connues qui n'ont été localisées que récemment.

Publié en français à l'occasion du volet parisien de l'exposition à la Fondation Louis Vuitton, Matisse, L'Atelier rouge propose des analyses d'Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture au MoMA, et de Dorthe Aagesen, chercheuse et conservatrice en chef au SMK. Ensemble, elles retracent le parcours du tableau de Matisse, de sa commande initiale à son arrivée à New York, en passant par l'historique de ses expositions et de ses propriétaires successifs. Par leurs recherches approfondies et leur lecture attentive, elles transforment notre compréhension de cette oeuvre clé de l'art du XXe siècle. Lire la suite Fermer

La plus grande biographie jamais écrite sur Salvador Dalí, à la hauteur d'un maître aussi essentiel à l'histoire du surréalisme qu'à celle de l'art moderne, enfin traduite en France.
Dans La Vie effrénée de Salvador Dalí, Ian Gibson offre un récit ultra documenté, des premières années de la vie du peintre jusqu'à ses ultimes obsessions. Une biographie grandiose, écrite dans un style clair et enlevé, magnifié par l'humour caractéristique de son auteur. Ce texte définitif - richement illustré par une centaine de photographies d'archives et de tableaux - séduira quiconque s'est déjà arrêté devant une oeuvre de l'autoproclamé " authentique génie des temps modernes ".

Fruit de dix ans de recherches, le corps de ce livre-enquête repose sur une collaboration étroite et suivie avec l'entourage proche de Dalí ainsi que sur un ultime entretien décisif avec l'artiste. Gibson a littéralement marché dans les pas de ce peintre excentrique, de la Catalogne à New York en passant par Paris. De ce voyage émerge un texte regorgeant de détails que seule l'expérience peut offrir : une immersion dans l'univers étrange de Dalí.

Le mot de l'éditeur : " Je n'ai jamais utilisé l'expression trop rebattue d'"événement éditorial'. Néanmoins, comment pourrais-je qualifier différemment ce livre, ses deux millions de signes, ses presque mille pages, son auteur multirécompensé, sa centaine d'illustrations, nos deux années et demie de travail éditorial, oui, comment ne pas qualifier d'"événement' cet hommage total à un génie célèbre et méconnu : Salvador Dalí ? Dalí est trop souvent réduit à une marque, à un symbole, à un visage, autrement dit à un artiste recyclé et monétisé par une pop culture trop éloignée des Arts. Dalí, son oeuvre, sa vie surréaliste et scandaleuse, son défi permanent aux conventions morales et sociales méritent d'être sorti du piège tendu par lui-même : son automystification. En quoi ce livre non seulement perpétue Dalí, mais le fait renaître. Lire la suite Fermer

Fleurs, oiseaux, paysages, grande vague et mont Fuji... Le maître japonais est le chantre de la beauté de la nature japonaise

Des paysages baignés de lumière, le déferlement des vagues sur les pêcheurs, le rose des cerisiers en fleurs au printemps, des plantes pleines de douceur et de majestueuses grues sauvages... La nature est omniprésente dans l'oeuvre d'Hokusai.
Le Japon est couvert de montagnes et entouré par la mer : la nature fait partie intégrante de l'identité et de la culture japonaise.
Ce livre met en lumière ce lien intime dans le travail du maître japonais Hokusai. Les représentations de la nature font partie des créations le plus connues de l'artiste, et son regard sur les montagnes, la mer, les saisons sublime la nature japonaise et reflète la spiritualité nippone. Voyage en terre japonaise à travers les estampes d'Hokusai.

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Pour la première fois est abordée ici la prédilection du peintre impressionniste Gustave Caillebotte (1848-1894) pour les figures masculines et les portraits d'hommes, qui dominent son oeuvre. Tout autant qu'à ses cadrages audacieux ou à ses effets de perspective, la grande modernité des chefs-d'oeuvre de l'artiste tient à sa manière originale de dépeindre ses contemporains. Répondant à une ambition «réaliste», il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l'ouvrier urbain, le citadin au balcon, le sportif ou encore l'homme nu à sa toilette. Cette vision est aussi profondément personnelle et autobiographique, Caillebotte ne prenant ses sujets que dans son environnement le plus proche, faisant poser ses frères, ses amis du Cercle de la voile de Paris, les ouvriers travaillant pour sa famille ou les bourgeois croisés dans les rues aux alentours de son domicile. Dans le contexte du triomphe de la virilité militaire, du patriarcat bourgeois ou de la fraternité républicaine, ces images questionnent les normes de genre et les catégories sociales et témoignent d'une interrogation de l'artiste sur sa propre identité. Lire la suite Fermer

Une biographie en images de la créatrice d'Ernest et Célestine

Comment Monique Martin, l'artiste peintre, est-elle devenue Gabrielle Vincent, l'illustratrice d'une des plus belles, des plus touchantes collections de livres pour les enfants ? Peut-être parce que dessiner pour les enfants, dans les années 70 et 80, ce n'est pas très convenable quand on est une artiste reconnue et exposée dans les galeries bruxelloises. Ou plus certainement pour le plaisir de jouer, de surprendre, de s'amuser et de ne jamais se laisser dicter son art.

« Redécouvert » dès la fin du XVIIIe siècle, catalogué une première fois sous le Second Empire, l'art de Vermeer n'a cessé depuis d'intriguer, d'émerveiller et de susciter le débat entre ses experts. Malgré ses liens forts au milieu de Delft, Vermeer, en effet, est différent : de ses contemporains, de son siècle, de toute la peinture. Cette perfection que tous lui reconnaissent est elle-même une énigme : comment, pourquoi, dans quelles conditions, entouré de qui Vermeer a-t-il peint ces scènes silencieuses dont la magie nous subjugue ?
Pour répondre à toutes ces questions, trois points de vue différents sont ici réunis :
Celui de Gilles Aillaud, peintre et écrivain, dont l'extrême concision du langage donne à son texte l'allure d'un essai limpide sur la limpidité.
Celui de John Michael Montias, a consisté à dénouer les fils de l'histoire matérielle de la vie de Vermeer : ses origines sociales, son environnement familial, ses biens, son civisme, sa ville.
Le point de vue d'Albert Blankert, enfin, est celui, indispensable, de l'histoire de l'art. Comprendre l'originalité de Vermeer, c'est la situer dans l'art de son époque, comprendre ses influences, ses similarités.
À ces approches qui confrontent les regards issus de plusieurs disciplines et de plusieurs traditions critiques viennent s'ajouter un catalogue de l'oeuvre, une fortune critique, une bibliographie, une chronologie. Les illustrations comprennent tous les tableaux de Vermeer reproduits en grand format et en couleurs.

Cette nouvelle édition proposée avec une couverture imprimée sur toile est accompagnée d'un avant-propos de l'historien de l'art Stéphane Guégan qui, en accord avec la rigueur de l'ouvrage, dresse le bilan des découvertes récentes.

Elles ne touchent guère le corpus de Vermeer : peu de tableaux se sont perdus et aucune attribution, ces dernières années, n'a suscité le consensus. La nouveauté, de ce fait, est venue autrement troubler la vision usuelle du peintre. Restaurations, archives exhumées et meilleure intelligence des positions religieuses du « peintre patient » ont apporté au « mystère Vermeer » des éclairages inattendus. Et un charme de plus. Lire la suite Fermer

" Si tu veux dire un truc et si tu veux qu'on t'écoute,n mets un masque. Si tu veux être honnête, il te faudra vivre dans le mensonge. "
Banksy
Calendrier mural 30 x 42 cm - 24 pages (12 oeuvres reproduites) sur les réalisation de l'artiste Banksy.
Liste des oeuvres :
- "Love in the Bin" ;
- "Love Is in the Air" ;
- "The Ballad of the Reading Goal" ;
- "Finsbury Park" ;
- "Vandalised Phone Box" ;
- "Well Hung Lover" ;
- "Turf War" ;
- "CND Soldiers" ;
- "Sweep It Under the Carpet" ;

D'île en île, tout au long de la majestueuse Loire, Nicolas Jolivot s'est arrêté pour dessiner dans ses carnets l'instant d'un paysage et de ses formes. Puis, de retour dans l'atelier, il a cherché à restituer l'éternité des couleurs et des lumières, notant en parallèle tous les détails témoins d'un monde oublié, toutes ces choses que l'on ne voit plus à force de les avoir vues, et ces curiosités récentes dont nous nous méfions, à juste titre ou pas. Il a pu observer nombre de nouvelles espèces animales ou végétales venues se fondre dans les berges ou concurrencer violemment leurs congénères autochtones.
Il restitue ce travail dans un carnet de voyage où tout son talent d'auteur et ses pinceaux virtuoses sont au service de ce constat : en une vie d'homme, la Loire a changé de visage. Lire la suite Fermer

Peindre l'instant, la nature sous toutes ses formes et plus encore la lumière, telle est la quête inlassable de Claude Monet, chef de file du mouvement impressionniste qui révolutionna l'art de peindre, juxtaposant sur ses toiles une multitude de touches apparentes, fragmentées, pour capter l'infinie variation des couleurs. Toute son oeuvre s'explique par cette quête, car c'est la lumière qui dessine les formes. « Un paysage, pour moi, n'existe point en tant que paysage, puisque l'aspect en change à chaque moment ; mais il vit par ses alentours, par l'air et la lumière, qui varient continuellement. » Immensités des ciels changeants de Normandie, souffle ondoyant du vent sur les champs de coquelicots, miroitements infinis du soleil sur la mer à Bordighera, reflets féériques des célèbres nymphéas à Giverny : Monet s'affirme comme le peintre par excellence de la lumière et du plein air, l'un des artistes majeurs de l'art moderne, l'un des précurseurs de l'abstraction.
Cet ouvrage consacré à Monet propose une découverte de l'oeuvre de l'artiste, présenté dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures du peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés de notices détaillées, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale. Lire la suite Fermer

« Une peinture n'est pas la repre sentation d'une expe rience. C'est l'expe rience me me. »
Mark Rothko

Mark Rothko, apre s son installation aux E tats-Unis, commence a peindre au de but des anne es 1930. Si ses oeuvres figuratives du de but sont marque es par l'influence de la mythologie antique et du surre alisme, il s'oriente de s les anne es 1940 vers une esthe tique abstraite avec sa se rie des Multiformes, puis celle des Classiques et des Black and Grays.
Ses couleurs sature es aux formes flottantes et expansives invitent a une expe rience sensible, tactile, laissant au spectateur sa part de cre ation dans l'oeuvre. Cette vision du peintre aspire a un langage universel s'adressant a tous, loin de l'intellectualisation et des processus techniques de re alisation.
Derrie re un apparent myste re et un caracte re insaisissable empreints de spiritualite , ses toiles convient par leur impact e motionnel a interroger l'horizon de nos origines, de notre destine e, de notre existentialite .
« Les oeuvres de Rothko sont des tableaux vivants ! C'est un art habite par l'observateur, anime et constamment revivifie par des vivants. » (Christopher Rothko) Lire la suite Fermer

Amoureux de l'art ? Amoureux de la nature ? Ou bien amoureux des deux ? Ce livre, original et élégant, ravira un public très large.
Les auteurs y ont compilé les plus beaux dessins et tableaux où figurent des oiseaux.
Chouettes, hérons, mésanges et corbeaux se disputent la vedette. La majesté de ces animaux est ainsi mise à l'honneur chez Edgar Degas, Albrecht Dürer, Pablo Picasso et tant d'autres. Une description des conditions de réalisation des tableaux accompagnent la découverte des oeuvres.
Des pages de jeux typographiques, rendant hommage aux oiseaux avec précision et érudition, ponctuent également la lecture de ce livre pas comme les autres !

Rêver et faire rêver Une rétrospective inédite des plus belles estampes et des plus grands tableaux de Gustave Doré choisis parmi son oeuvre de plus de 10 000 illustrations, commentés par Alix Paré, historienne de l'art et conférencière, et Valérie Sueur-Hermel, conservateur à la Bibliothèque nationale de France.

« Gustave Doré est un artiste complet : dessinateur, graveur, peintre et sculpteur. Son génie dans l'illustration littéraire lui vaut d'être passé dans l'inconscient collectif, d'avoir influencé le cinéma, l'animation, la bande-dessinée et la publicité. Il est l'un des plus doués mais aussi des plus prolifiques dessinateurs du XIXe siècle. (...) Doré a touché à tout : à la caricature des hommes de son temps, au reportage de guerre, à la fable, à la poésie, au romanesque mais aussi à l'allégorie et au paysage. Il a livré des caricatures comiques et des images sérieuses, des visions épiques et des vues contemplatives, il a observé le réel tout en étant virtuose dans la fantaisie. Il nous semblait nécessaire de partager ce foisonnement et de révéler cette diversité. » Extrait de l'Avant-propos « On appelle ça illustrer un ouvrage : moi, je prétends que c'est le refaire. Au lieu d'un chef-d'oeuvre, l'esprit humain en compte deux. » Émile Zola, à propos des illustrations de Gustave Doré pour Don Quichotte Lire la suite Fermer

Figure centrale du renouveau artistique qui caractérise le début du XX? siècle, Tarsila do Amaral (1886-1973) fait partie des artistes les plus connus et aimés au Brésil. Mêlant les imaginaires indigène, populaire et moderne, elle a créé un oeuvre original, qui a marqué l'univers visuel brésilien jusqu'à nos jours. Dès les années 1920, évoluant entre São Paulo et Paris, Tarsila do Amaral est une passeuse incontournable entre les avant-gardes des deux capitales culturelles en pleine effervescence. Elle inspire, par sa peinture, les mouvements Pau-Brasil et anthropophage, dont la quête d'un Brésil authentique et moderne, multiculturel et multiracial vise à refonder sa relation avec les «centres» européens de la colonisation. La dimension militante de ses peintures des années 1930 et sa capacité à accompagner, jusqu'aux années 1960, les évolutions profondes de son environnement social et urbain confirment la puissance d'un oeuvre toujours ancré dans son temps, qui ne cesse de soulever des questions identitaires et sociétales encore très actuelles, au Brésil comme en Europe. Lire la suite Fermer

Les projets simultanés de Sonia Delaunay font d'elle une pionnière prolixe et multiforme, une pionnière de l'abstraction, une pionnière dans les domaines de la mode, du textile, de la publicité et du design. Cet ouvrage, catalogue d'une exposition éponyme, propose des dessins, peintures et objets, dont la plupart n'ont jamais été montrés au public auparavant. Allant d'un portrait important datant de 1907 à des compositions abstraites révolutionnaires des années 1970, ces oeuvres démontrent l'engagement de toute une vie de Sonia Delaunay pour la couleur pure, son modernisme radical et son imagination joyeuse tout au long du vingtième siècle.

Découvrez cette splendide monographie sur l'artiste italien maniériste Arcimboldo, célèbre comme auteur de nombreux portraits, suggérés par des végétaux, des animaux ou des objets astucieusement disposés, comme sa représentation de Rodolphe II en Vertumne.

De la Renaissance à aujourd'hui, de nombreux artistes ont célébré Notre-Dame de Paris en peinture.
Lors du terrible incendie survenu à la cathédrale Notre-Dame de Paris le soir du 15 avril 2019. C'est le coeur brisé que les Français et les citoyens du monde entier ont assisté, impuissants, à l'effondrement de sa flèche et réduit en cendres la totalité de sa charpente. Monument emblémathique de la capitale et ouvrage d'art inestimable, cette majestueuse cathédrale, qui avait survécu à une révolution et deux guerres mondiales, était un morceau de notre histoire et de notre culture, une part de nous-même que l'on pensait immuable. Au fil des siècles, elle avait inspiré de nombreux peintres qui l'ont représentée intacte, figeant à jamais sur leurs toiles certains éléments aujourd'hui partis en fumée. Lire la suite Fermer

Redécouvrez les plus belles estampes d'Utagawa Hiroshige, l'un des grands maîtres de l'art pictural. Une courte biographie expliquera la vie de l'artiste, né à Edo en 1797 et décédé en 1858. Auteur prolifique de plus de 5000 estampes, Hiroshige a dépeint la vie quotidienne au Japon avant l'ère Meiji. C'est l'un des plus grandes peintres de paysages du Japon, avec Hokusai, autre grand artiste japonais. Parmi ses séries les plus connues figurent : les Cent vues d'Edo, Les Soixante-neuf Stations du Kiso Kaid et surtout Les Cinquante-trois Stations du T kaid .

Tout visiteur d'exposition, tout étudiant, tout spectateur attentif de la peinture, se trouve confronté aux mêmes questions quand il regarde un tableau : à quelle époque a-t-il été peint ? Par qui ? Que raconte-t-il ? Quels moyens le peintre a-t-il utilisés pour susciter le plaisir, l'émotion ?
LIRE LA PEINTURE, DANS L'INTIMITÉ DES OEUVRES, répond à ces questions et propose au lecteur une manière d'approcher les oeuvres, de les sonder. Cette grille de lecture est organisée en six grandes étapes : la carte d'identité, le sujet, la composition, le dessin et la couleur, la figure humaine, les styles. L'iconographie et son commentaire jouent un rôle fondamental dans cet ouvrage. Des gros plans soulignent l'importance de certains détails et des tracés révèlent les principes de construction des oeuvres.
LIRE LA PEINTURE, DANS L'INTIMITÉ DES OEUVRES, distingué pour ses qualités pédagogiques, est un ouvrage indispensable aussi bien pour les amateurs que pour les enseignants et étudiants en arts plastiques ou en histoire de l'art. Lire la suite Fermer

La monographie la plus comple`te a` ce jour sur Willem de Kooning, figure de proue de l'expressionnisme abstrait aux E´tats-Unis.
Une façon de vivre : l'art de Willem de Kooning est l'ouvrage le plus complet sur l'un des peintres les plus influents du XXe siècle. Ponctuée de citations de l'artiste, cette e´le´gante monographie retrace la vie personnelle et artistique de Willem de Kooning, de ses ce´le`bres Woman a` ses dernie`res toiles, a` travers de nombreuses photographies personnelles et reproductions qui remettent son oeuvre en contexte.
Judith Zilczer est autrice et commissaire d'exposition honoraire au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de la Smithsonian Institution, a` Washington. Elle est conside´re´e comme une spe´cialiste de premier plan de l'art de Willem de Kooning.
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Art book regroupant les meilleures images d'un maître de l'illustration contemporaine, autour de l'imaginaire américain et de ses variations.

L'imaginaire de Miles Hyman est empreint de représentations sensibles et uniques des États-Unis, pays qui n'a cessé de mobiliser en lui des images, de Edward Hopper à Norman Rockwell. Certaines de ses oeuvres semblent sorties des romans de Kerouac ou de Faulkner. Dans ce recueil d'une soixantaine d'images, dont nombre d'inédites, l'artiste livre un aperçu intime de ce territoire indissociable de son identité. Ses oeuvres créent une rêverie particulière, une invitation au voyage, une découverte de ses Amériques. Il témoigne de la pluralité de ses techniques : acrylique, encre, gouache, fusain, graphite, crayons de couleurs. Grande diversité dans les sujets abordés, en lien avec les USA, mais pas seulement, aussi le Canada-Québec et l'Amérique Centrale et du Sud. En contrepoint des images, François Busnel délivre un texte brillant, un portrait de ses Amériques, dont il est l'un des meilleurs connaisseurs des mythes littéraires et artistiques. Lire la suite Fermer